U ovom članku donosimo sve relevantne informacije o Karakteristike boje, ispričat ćemo vam svu važnost koju je slikarstvo imalo u povijesti svijeta, jer je ostavilo mnoge tragove i mnoge priče, zato kada promatrate vrijednu sliku, morate razmišljati o različitim karakteristikama slikarstva. ovaj članak koji će vam se svidjeti!
Karakteristike boje
Umjetnost predstavljanja grafike korištenjem pigmenata pomiješanih s različitim sintetičkim ili organskim vezivnim tvarima je ono što znamo kao slikarstvo. Da biste koristili umjetnost slikanja, morate imati puno znanja o teoriji boja i kompoziciji slike. različite karakteristike boje koje se koristi.
Da bi se izvodila umjetnost slikanja i crtanja, slikarska praksa se mora stalno provoditi, a to se sastoji od iskorištavanja određene površine kao što je list papira, platno, komad tkanine, komad drveta , zid u kojem će se oslikavati određenom tehnikom kako bi se dobila kompozicija boja, oblika, crteža, tekstura između ostalog, dajući tako dizajn umjetničkog djela koji ispunjava neka estetska načela.
Na taj je način u XNUMX. stoljeću arhitekt i teoretičar francuskog porijekla André Félibien u jednom od svojih predavanja na Francuskoj akademiji afirmirao hijerarhiju žanrova koji postoje u klasičnom slikarstvu, a koji su “priča, portret, krajolik, mora, cvijeće i plodovi”
U likovnoj umjetnosti, slikarstvo je jedan od najstarijih umjetničkih izraza koji postoje od sedam postojećih, u znanosti o teoriji umjetnosti i u estetici, slikarstvo se smatra univerzalnom kategorijom i uključuje sve umjetničke kreacije nastale na površine. Jedna od kategorija koje se koriste u različitim karakteristikama slikanja je vrsta nosača koji se koristi ili korišteni materijal i trenutno nosači ili različite digitalne tehnike.
Važno je napomenuti da je u povijesti slikarstva jedno vrijeme dominirala religija ili religiozna umjetnost. Postoji mnogo primjera ove vrste slikarstva, od djela koja su naslikana s naglaskom na mitološke i religiozne figure, do scena opisanih u Bibliji, poput stropa Sikstinske kapele u Vatikanu u Rimu. Čak i iste naslikane scene iz Buddhinog života, kao i razne naslikane slike koje odjekuju orijentalnu religijsku temu.
Definicija slikarstva
Da bismo definirali slikarstvo i govorili o njegovim glavnim karakteristikama slikarstva, može se reći da se radi o grafičkom prikazu pomoću niza pigmenata u kombinaciji s drugim tvarima, bilo organskim ili sintetičkim, za ostvarivanje umjetničkog izraza. No, poznato je da je umjetnost slikanja malo složena, jer zahtijeva mnogo slikarskih tehnika i metoda, kao i crtež i vizualnu kompoziciju umjetnika i način na koji se koristi teorijom boja.
Koristeći se ovim tehnikama, slikar može koristiti metode fresko slikarstva ili metodu slikanja uljem. Ali slika može zadovoljiti različite tematske kriterije, kao i različite karakteristike povijesnog slikarstva ili različitih žanrova spomenutih gore.
Također ćete pronaći različite stilove slikarstva kao što su prapovijesno i gotičko slikarstvo te u bilo kojem razdoblju slikarstva na koje se spominje. Ali slike su umjetnička djela, kako kaže Ernst Hans Josef Gombrich, britanski povjesničar umjetnosti rođen u Austriji:
“Nema ničeg lošeg u tome da se oduševimo slikom pejzaža jer nas podsjeća na naš dom ili portretom jer nas podsjeća na prijatelja, jer kao ljudi to jesmo, kad gledamo umjetničko djelo, podvrgnuti smo sjećanje na mnoštvo stvari koje, u dobru i zlu, utječu na naš ukus.
Gombrich, Povijest umjetnosti (2002.)”
Na isti način Arnold Hauser, povjesničar umjetnosti mađarskog porijekla nakon što je cijeli život studirao između Njemačke i Italije, definira pojam slikarstva navodeći sljedeće:
"Tumačimo ih (slike) prema vlastitim namjerama i težnjama, prenosimo im značenje čije je porijeklo u našim životnim stilovima i mentalnim navikama"
Filozof njemačkog porijekla Ernst Bloch, u svojoj knjizi napisanoj 1918. pod naslovom duh utopije, pokazuje svoju inteligenciju da brani nefigurativnu umjetnost, te uspostavlja odnos s koncepcijom utopijskog čovjeka, koji ima nerazotkrivenu sudbinu, ali je nesvjesno prisutan u dubinama ljudskog bića i u svojoj knjizi potvrđuje sljedeće:
"Kada bi zadatak slikanja bio da se stavimo pred oči zraka i dragocjenog prostranstva i svega ostalog, bilo bi bolje otići direktno i slobodno uživati u svemu tome."
Za ostale povjesničare, a posebno za gospodina Erwina Panofskyja, ispitali su sadržaj nekoliko slika kroz njihovu formu i sadržaj koji su predstavljali, proveli su nekoliko istraživanja pokušavajući shvatiti što slika predstavlja za društvo, zatim značenje koje ta slika ima za promatrač.i na kraju ističe značenje koje je slikarstvo imalo za kulturu i religiju.
povijest slikarstva
U ovom članku, pod naslovom karakteristike slikarstva, ispričat ćemo vam malo o povijesti slikarstva. Da biste imali potrebna znanja, jer kada se govori o povijesti moramo se vratiti u vrijeme prapovijesti i doseći suvremeno doba koje uključuje sve prikaze koji se izrađuju različitim tehnikama u slikarstvu i umjetničkom crtežu.
Sve se to poklapa s poviješću umjetnosti u kulturno-povijesnom kontekstu, kada pokušavamo analizirati povijest slikarstva moramo se vratiti na slike koje su nastajale kao murali u različitim špiljama, a koje se mogu naći u pirenejskim regijama koje pripadaju zemljama Španjolske i Francuske te dijelu mediteranske obale u onome što se zvalo levantinska umjetnost.
Ima i drugih slika nastalih u drugim dijelovima Europe koji su malo niži, a nalaze se u sljedećim zemljama: Portugal, Italija, u dijelu istočne Europe i u sjevernoj Africi. Postoje i druge vrlo važne slike u povijesti slikarstva poput špiljskih slika i one su najstarije poznate čovjeku.
U povijesti slikarstva nalazi se špilja Chauvet koja se nalazi u Francuskoj, prema povjesničarima kroz istraživanja provedena na spomenutoj špilji, stara je više od 32 tisuće godina i nalazi se u aurignacijskom i gravettianskom razdoblju. Karakteristike slike izrađene u ovoj špilji bile su da su umjetnici koristili oker glinu, crveni željezni oksid i crni manganov dioksid.
U ostalim špiljama koje se također ističu po različitim slikama su one Altamira i Lascauxa, na tim slikama su nacrtani nosorozi, mamuti, lavovi, bivoli, konji ili ljudska bića u lovačkom stavu s obzirom na životinje. Također slike koje se nalaze na papirusima i na različitim zidovima egipatskih grobnica koje datiraju od 5 tisuća godina prije Krista, prizori su svakodnevnog života ove populacije, kao i njihove mitologije i vjerovanja.
Također će simbolizirati karakteristike i osobine tog društva koristeći veličinu figura kao rang društva. Kao i u starom Rimu, bilo je normalno ukrašavati ili bojati zidove kuća i palača, trenutno je u najboljem stanju očuvani antički grad Pompeji i grad Herkulaneum.
Dolaskom u paleokršćansko doba u katakombe su ih počeli ukrašavati slikajući prizore iz Novog zavjeta i predstavljajući Isusa kao lik dobrog pastira, slikali su likove s velikim očima stvarajući iluziju da gledaju u promatrača. Ovaj stil postao je cijenjen i nastavio se raditi u bizantskoj školi smještenoj u Carigradu.
Zatim se romantično slikarstvo razvija između XNUMX. i XNUMX. stoljeća, u najzanimljivijim dijelovima Europe koji se nalaze na jugu Francuske i područjima Katalonije, iako su nastale slike različitih vjerskih tema rađene u najvišem dijelu crkve i na velike zidine kako bi ih ljudi mogli promatrati, jedan od najčešće korištenih prikaza bio je pantokrator, a to je slika Isusa iz Nazareta i Djevice Marije.
Počeli su izrađivati i slike koje prikazuju živote svetaca. U gotičkom slikarstvu bilo je i religioznog slikarstva, ali koje je predstavljalo teme svjetovnog podrijetla, ali je bilo većeg omjera u zemljama Italije i Francuske gdje je najvažnija ličnost bio slikar Giotto koji je radio kao muralist i arhitekt firentinskog podrijetla.
U doba renesanse klasično je slikarstvo imalo veliku ulogu u utjecaju na napredak društva, tada se razvijala linearna perspektiva i proučavala se ljudska anatomija koristeći slikarstvo kao oslonac, jednu od najvažnijih karakteristika društva. slikarstvo je bilo korištenje tehnike ulja.
U to su vrijeme postojali veliki slikari koji su bili priznati po svom znanju i slikarskim tehnikama kojima su se služili, a među najistaknutijim su bili Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael Sanzio i Tizian. Po karakteristikama slike ističu se u radu koji je Leonardo Da Vinci izradio Mona Lisa, koji je također poznat kao Mona Lisa, Pa ja koristim chiaroscuro i sfumato metode.
Arhitekt i kipar Michelangelo izradio je jedno od najvažnijih djela oslikavanjem stropa Sikstinske kapele, poznatog kao jedno od velikih djela renesanse, osim toga mnogi su umjetnici koristili simboličke teme među kojima su one iz sjeverne Europe među kojima uključuju braću Jan van Eyck i Hubert van Eyck. U Njemačkoj se isticao slikar i humanist Dürer.
Dok je takozvana protureformacijska crkva ili reforma katoličke crkve kojom se želio suprotstaviti protestantizmu, nastojao iskoristiti religijsku umjetnost i da to postigne, on se služio umjetnim konvencijama manirista, koji su dominirali umjetnošću između XNUMX. i XNUMX. st., ali su u to vrijeme karakteristike slike koju su koristili bile odbacivanje pravila i slobode kompozicije oblika i boja, ali je korištena novost karavaggista.
Oni su koristili radikalni naturalizam, gdje su se koristili kombinacijom fizičkog promatranja kako bi detaljizirali sve što je trebalo istaknuti i učinili da slika ima kazališnu i dramsku umjetnost medijalno korištenjem tehnike chiaroscuro. Pa, koristio je sjenu i svjetlost, u ovoj se umjetnosti ističu Caravaggio i Annibale Carracci, dva slikara koji su bili suvremeni i vrlo važni u likovnoj konformaciji barokne umjetnosti.
Jedna od najistaknutijih karakteristika baroknog slikarstva je dinamizam kompozicija slikara Rubensa Rembrandta i Velázqueza. U prvoj polovici XNUMX. stoljeća promicao se rokoko umjetnički pokret, koji je bio svečaniji i veseliji od barokne umjetnosti te je bio široko prihvaćen u zemljama Francuske i Njemačke.
Kulturni pokret romantizma koji je započeo početkom XNUMX. stoljeća, izražavao je raspoloženja i velike intenzivne osjećaje, no u Francuskoj je najistaknutiji slikar bio Delacroix, u Sjedinjenim Državama istaknuti slikar Thomas Cole, dok je u Ujedinjenom Kraljevstvu United su predstavljali Constable i Turner, au Španjolskoj je bio slikar Francisco de Goya.
Sredinom devetnaestog stoljeća izumljena je fotografija i slikarstvo je počelo gubiti povijesni cilj koji je do tada imalo pružanjem najrealističnijih slika, u to vrijeme javlja se umjetnički pokret impresionizma kojeg predstavlja slikar francuskog podrijetla po imenu Edouard Manet. koji je bio preteča ovog pokreta koji je to omogućio na temelju svojih labavih poteza kistom i odnosa boja koje je koristio za izradu realističnije slike ali ne obraćajući puno pažnje na najkonkretnije detalje.
U XNUMX. stoljeću karakteristike slikarstva više se ističu zbog raznolikosti slikovnih strujanja, među kojima imamo i fovizam koji je poznat i kao fovizam i slikarski je pokret koji je nastao u Francuskoj, a potom se proširio u nekoliko zemalja i bio karakterizira odbacivanje tradicionalnih boja i korištenje nasilnih ili vrlo upečatljivih boja.
Kulturni pokret pod nazivom ekspresionizam također je rođen, ali u Njemačkoj, ali se utjelovio u raznim područjima likovne umjetnosti kao što su plastika, arhitektura, književnost, glazba, kino, kazalište, ples, fotografija itd. A karakteriziralo ga je stvaranje osjećaja više od stvaranja vjernog proizvoda stvarnosti.
Slično, kubizam se rodio kao umjetnički pokret između 1907. i 1924., a stvorili su ga Pablo Picasso i Georges Braque, a slijedili su ga umjetnici Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Juan Gris, María Blanchard i Guillaume. Apollinaire je bio pokret koji je temeljio se na izradi slika u obliku malih kockica. Izrada trodimenzionalnih slika postaje dvodimenzionalne slike.
Apstraktno slikarstvo naslijeđeno je iz ovog kulturnog pokreta kubizma, koji je oblik apstraktnog ekspresionizma razvijen u New Yorku između 1940-ih i 1950-ih.
Tada se u Ujedinjenom Kraljevstvu pojavljuje Pop art, umjetnički pokret koji je inspiriran estetikom svakodnevnog života i robom široke potrošnje u to vrijeme. Pa, napravljene su reklame koje reklamiraju nekakvo piće ili hranu. Kao njegov glavni predstavnik Andy Warhol.
Konačno, u XNUMX. stoljeću javlja se minimalizam, trend u kojem se sve svodi na bitno ili da se uz minimalne estetske resurse riješe suvišni elementi i izrade karakteristike slika. Dok se u XNUMX. stoljeću stvara ideja pluralizma, danas se koristi velika raznolikost stilova i estetike.
Umjetnički žanrovi korišteni u slikarstvu
Među umjetničke žanrove koji postoje i koji će se svrstati po temama, koje su se svrstavale kroz povijest slikarstva koje su utjecale na tehniku, dimenzije, stil i izričaj koji čini umjetničko djelo. Autori poput Platona (427.-347. pr. Kr.), Aristotela (384.-322. pr. Kr.) i Horacija (65.-8. pr. Kr.) su potvrdili da je umjetnost mimezis.
"Koncept koji koriste ovi autori nazivajući oponašanje prirode osnovnom svrhom umjetnosti"
Za ovaj koncept zasluga je korištenje didaktičke vrijednosti koju ima i koja čini dobar prikaz, ali ne treba praviti razlike između portreta napravljenog maštom i stvarnog portreta. Arhitekt Marco Vitruvio Polión sredinom XNUMX. st., koji je počeo uređivati blagovaonice u kojima su se promatrale slike s raznim jelima, au ostalim prostorijama izrađivali su se pejzaži i mitološki prizori.
U renesansi, arhitekt Leon Battista Alberti imao je ideju da podigne stupanj slikarskog majstora na stupanj liberalnog umjetnika, čak je izjavio da je najvažniji posao koji slikar ima povijest, ali da arhitekt koristi riječ povijest odnosio se na narativno slikarstvo koje izvodi epske ili religiozne scene, a zatim reći sljedeće:
"Ona koja prikazuje velika djela velikana vrijedna sjećanja razlikuje se od one koja opisuje običaje privatnika, od one koja prikazuje život seljaka. Prvi ima veličanstven karakter, trebao bi biti rezerviran za javne zgrade i rezidencije velikana, dok će drugi biti prikladan za vrtove.”
U XNUMX. stoljeću dolazi do pojavljivanja i sakupljanja ulja na platnu, iako se činjenica izrade velikih narativnih murala nije izgubila, dala je i povoda komercijalnim slikama i raznim lakšim formatima. Na taj su se način počeli klasificirati različiti slikovni žanrovi i specijalizacija svakog umjetnika.
U Italiji se nastavlja povijesno slikarstvo i slikari koji su bili u sjevernom dijelu Italije izrađuju portrete, dok su slikari koji su bili u Nizozemskoj počeli stvarati žanrovske slike, ali u manjem obimu, slikajući djela seljačkog života, osim mrtve prirode. i krajolik.
Na taj je način 1667. godine arhitekt i teoretičar po imenu André Félibien na određen način rangirao žanrove klasičnog slikarstva, a to su povijest, portret, pejzaž, mora, cvijeće i voće.
Žanrovsko slikarstvo: Naziva se i žanr scena, ova slika se temelji na privatnim navikama ljudi u njihovim svakodnevnim i suvremenim scenama umjetnika, poznata je i kao slikarstvo kostimbrista. Najpopularnije slike ovog žanra nastale su u Nizozemskoj početkom XNUMX. stoljeća.
Među najistaknutijim umjetnicima u ovom žanru su Pieter Brueghel Stariji i Vermeer. Iako se pouzdano ne zna jesu li rađene da predstavljaju stvarnost ili da bi odvratile promatrače od slika koje su ponekad bile vrlo komične. Možda su imali moralizirajuću svrhu kroz različite primjere koje su davali od gledatelja.
No, nema sumnje da su u žanrovskom slikarstvu XNUMX. stoljeća imali na umu svu satiričnu ili moralizirajuću namjeru situacije u različitim djelima slikara Williama Hogartha ili Jean-Baptistea Greuzea, dok je u Španjolskoj slikar Diego Velázquez je kultivirao žanrovsku sliku izvodeći svoje djelo Starica koja prži jaja i Seviljski vodonoša, na taj način slikar Francisco Goya.
Portret: U hijerarhiji žanrova koji se koriste u slikarstvu, portret zauzima važno, ali dvosmisleno mjesto jer na jedan način predstavljate ljude na sliku Božju, a s druge strane pokušavate veličati osobu zbog svoje taštine i onoga što su činili kroz povijest. , jer su oduvijek bili zastupljeni bogati i najutjecajniji ljudi.
No, s vremenom su srednji slojevi angažirali slikare da dočaraju sve ljude koji su činili obitelj, danas postoje portreti koji se rade između obitelji onih koji vladaju, korporacija, udruga i pojedinaca.
Kada slikar napravi portret sebe, to se zove autoportret, jedan od najpoznatijih slikara u tome bio je Rembrandt koji je napravio više od sedamdeset autoportreta. Općenito, umjetnik pravi njegov reprezentativniji autoportret, kako je izjavio Edward Burne-Jones, engleski umjetnik i dizajner, tvrdeći da:
“Jedini izraz koji se može dopustiti u velikom portretu je izraz karaktera i moralne kvalitete, ništa privremeno, prolazno ili slučajno.”
U tehnici ulja koju je koristio jedan od najboljih slikara sjeverne Europe u petnaestom stoljeću po imenu Jan Van Eyck, koji je bio jedan od onih koji su promovirali umjetnost snimanja autoportreta, važan primjer za to je kada je umjetnik je naslikao Arnolfini brak, na ovoj slici slikar je prikazan sa svojom trudnom ženom u punom tijelu.
Tijekom renesanse predstavljala se kao društveni status i kao vrlo osobno uspješna portretirana lica, na taj su se način isticali mnogi umjetnici među kojima se ističu Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio i Durero.U Španjolskoj Zurbarán, Velázquez i Francisco de Goya.
Tim skupinama pridodaju se i francuski impresionisti koji su također prakticirali ovaj žanr, Degas, Monet, Renoir, Vincent van Gogh, Cézanne itd., a u XNUMX. stoljeću Matisse, Gustav Klimt, Picasso, Modigliani, Max Beckmann, Umberto Boccioni, Lucian Freud, Francis Bacon ili Andy Warhol.
Povijesno slikarstvo: Još jedna karakteristika slikarstva je povijesno slikarstvo koje se smatra velikim žanrom u religioznim, mitološkim, povijesnim, književnim i alegorijskim slikama. U ovoj vrsti slike demonstrirali su osobni i intelektualni ili moralni život osobe koja je naslikana. U jednom od svojih govora, gospodin Sir Joshua Reynolds, koji je došao izlagati na Kraljevskoj akademiji umjetnosti između 1769. i 1790., ustvrdio je sljedeće:
“Velika je svrha umjetnosti probuditi maštu... Po običaju ovaj dio umjetnosti zovem Povijesno slikarstvo, ali treba reći Poetično. (...) Ponekad mora odstupiti od vulgarne i stroge povijesne istine u potrazi za veličinom svog djela”
Tada je umjetnik Nicolás Poussin francuskog podrijetla bio prvi slikar koji je žanr povijesnog slikarstva napravio u manjem formatu, ali ova inovacija nije bila tako uspješna. Dok je slikar Diego Velázquez 1656. godine završio svoje djelo Las Meninas gdje opisuje obitelj Filipa IV., na velikoj slici na kojoj je simbolično prikazano da je to portret kraljevske obitelji u žanru povijesnog slikarstva.
Nakon toga i s protokom vremena, slikar Pablo Picasso 1937. godine završava svoje poznato djelo Guernica, za izradu ove slike upotrijebio je veliku dimenziju u žanru povijesnog slikarstva.
Pejzaž: U XNUMX. stoljeću nove ere slike s žanrom ili temom krajolika nalaze se u zemljama Kine i Japana, budući da se u Europi pojavljuju pejzaži, ali s naglaskom na pripovjedne scene ili rasprave o farmaciji i botanici.
No, ova tema uistinu počinje u XNUMX. stoljeću nove ere, kada se počinje tražiti pojava kolekcionarstva i traže različite teme posvećene seoskom slikarstvu, a slikari sjeverne Europe su na taj način označeni kao stručnjaci za to područje. Na taj je način na određeniji način promoviran žanr nizozemskih pejzaža. Da sam bio usredotočen na slikanje niskog horizonta i neba prepunog oblaka.
Osim toga, u ovom su žanru oslikane tipične nizozemske vjetrenjače, stoka i različiti ribarski čamci. U venecijanskim pejzažima smještenim u Italiji, koje su naslikali Giorgio Barbarelli da Castelfranco i njegovi učenici, ove su slike rađene s lirskim izgledom i prekrasnom bojom.
Ova vrsta slikarstva razvija se tijekom osamnaestog stoljeća, ali je nazivana i vedutismo, jer se radilo o talijanskom žanru koji se razvio u Veneciji gdje su urbani pogledi grada predstavljeni slično kartografskom stilu, jer su slike napravljene panorame Grad.
Tu su opisani kanali, spomenici i najtipičnija mjesta Venecije, ponekad su slikani sami ili s ljudskim likovima, a najznačajniji predstavnici ovog žanra bili su Canaletto, Bernardo Bellotto, Francesco Guardi, Michele Marieschi i Luca Carlevarijs.
U školi Barbizon, gdje se zove mjesto gdje se nalaze pejzažisti, jer su to prvi likovi koji su slikali na otvorenom i izradili studiju o radu na otvorenom, a osnova ovog žanra je svjetlo i njegove brojne varijante posebno utjecao na impresionističko slikarstvo.
Mrtva priroda: Reprezentativniji je žanr oponašanja prirode i neživih predmeta koji su zastupljeni u svakodnevnom životu kao što su voće, cvijeće, hrana, kuhinjski pribor, posuđe, knjige, nakit itd. Ali jedna od karakteristika slike ovog žanra je da je manje književna.
Početak žanra mrtve prirode, javlja se u antici gdje je korišten za ukrašavanje velikih dvorana za posebne događaje, poput rimskih freski u Pompejima, pisac Plinije stariji izvijestio je da su umjetnici grčkog porijekla prošlih stoljeća bili najvještiji u portretiranju i mrtvoj prirodi.
Ovaj žanr slikarstva bio je vrlo važan u zapadnoj umjetnosti u XNUMX. stoljeću nove ere. Važan primjer tog žanra je slika pod nazivom Mesnica Izradio španjolski slikar Joachim Beuckelaer. U istom stoljeću slikari Caravaggio i Annibale Carracci izrađuju djela koja predstavljaju veličanstvene mrtve prirode.
U sedamnaestom stoljeću nove ere, C. u Nizozemskoj razvija tip vinarije tzv taština, Tu se počelo izlagati svašta, poput glazbenih instrumenata, stakla, srebra i posuđa, kao i nakita i simbola poput knjiga, lubanja ili pješčanih sati, koji su služili kao moralizirajuća poruka prolaznih osjetilnih užitaka.
Dok je Francuska akademija ovo mjesto kvalificirala posljednjim mjestom slikovne hijerarhije. No, dolazak umjetničkog pokreta impresionizma zajedno s mnogim karakteristikama slikarstva, mrtva priroda ponovno je normalna tema među slikarima i društvom, slike Van Goghovih suncokreta jedna su od najraširenijih slika ovog žanra.
Kubistički umjetnici počeli su skladati i mrtve prirode, među kojima se ističu Pablo Picasso, Georges Braque, Maria Blanchard i Juan Gris.
aktovi: u ovoj temi to je umjetnički žanr u kojem će se istaknuti predstava ljudskog tijela i također je jedna od karakteristika slikarstva, akta. Smatra se jednom od akademskih klasifikacija umjetničkih djela. No, neki intelektualci to često povezuju s erotizmom.
No, žanr akta uvijek ima različita tumačenja i mnoga značenja, od mitologije do religije i isticanja anatomskog proučavanja ili kao prikaza ljepote i estetskog ideala savršenstva kao što se to radilo u staroj Grčkoj.
U umjetničkom predmetu proučavanje savršenstva i prikaza ljudskog tijela oduvijek je bila konstanta u povijesti umjetnosti, od prapovijesti sa skulpturom Venere od Willendorfa do danas. Tema akta postala je reprezentativnija u staroj Grčkoj, gdje je akt zamišljen kao savršenstvo i apsolutna ljepota.
Taj se koncept zadržao u klasicističkoj umjetnosti i stigao do današnjih dana i uvelike je uvjetovan percepcijom koju zapadno društvo ima prema aktu i umjetnosti. U srednjem vijeku njihov utjecaj dopire do religije, budući da su se temeljili na religijskim temama i biblijskim scenama, dajući opravdanje ovom žanru.
U renesansi je postojala nova kultura zvana humanistička i bila je više antropocentrična, stavljajući čovjeka u središte svih stvari, a ovom novom doktrinom ponovno je potaknuo povratak akta žanra u umjetnost, ali utemeljen na povijesnim i mitološkim teme.. Izdržljiv na vjerskim pitanjima.
U XNUMX. stoljeću nove ere žanr akta počeo je gubiti svoj ikonografski karakter nastankom kulturnog pokreta impresionizma te će biti predstavljen svojim estetskim kvalitetama kao senzualna i erotska slika, ali u potpunosti referencijalna.
slikarske tehnike
Da bismo objasnili karakteristike boja, moramo se bazirati na najčešće korištenim tehnikama, od toga kako se pigmenti razrjeđuju i postavljaju na površinu na kojoj će se bojati, jer ako pigmenti nisu topljivi u vezivu koji se koristi , oni ostaju raspršeni u njemu. . Među najvažnijim tehnikama imamo:
Ulje: Jedna od karakteristika slike je korištenje ulja, jer se za fiksiranje pigmenta koriste razne vrste ulja, a za prozirnost otapalo koje se zove terpentin, jer je vrlo hlapljiva tekućina. Slikanje ulja u osnovi se radi pigmentima koji se suhe usitnjavaju u prah, a zatim se miješaju odgovarajuće viskoznosti s biljnim uljem koje se koristi, jer postoje ulja koja se suše sporije od drugih i to oksidacijom, a ne isparavanjem.
Ovom tehnikom nastaju slojevi pigmenata koji se ugrađuju u površinu i zato se vremena sušenja moraju vrlo pažljivo kontrolirati kako bi boja bila ispravno fiksirana u svakom sloju boje koji se nanosi na rad.umjetnički.
Proces oksidacije daje umjetničkom djelu bogatstvo i dubinu bojama koje se koriste od upotrijebljenog suhog pigmenta, a umjetnik će moći varirati u korištenim uljima kao i otapalu tako da kvaliteta boje može pokazati raspon boja i kvaliteta od neprozirne do vrlo prozirne ili od mat do sjajne.
Iz tog razloga i mnogih drugih, umjetnici nastoje koristiti najbolja ulja i to je najfleksibilniji medij koji ga uvijek koriste na najprikladniji način, budući da se uljana boja gotovo ne mijenja tijekom procesa sušenja, ali na duge staze počinje se okretati. žućkast ako se ne održava pravilno za obavljeni posao.
Iako uljno slikarstvo može izdržati mnoge uzastopne slojeve, omogućujući umjetniku da ostvari slikovni koncept nastao u nekoliko slojeva, na primjer slikar Hilaire-Germain-Edgar de Gas ovaj je proces nazvao dobro vodi ali sporo vrijeme sušenja omogućuje umjetnicima da uklone višak boje i pređu preko čitavih područja.
U ispitivanjima koja su provedena na raznim slikama s rendgenskim zrakama, omogućila su nam da uočimo da su veliki majstori slikarstva u procesu izrade umjetničkog djela napravili mnoge promjene.
Vosak: Uz ovu tehniku koja se gotovo uvijek koristi vruća, a naziva se i enkaustika, što znači graviranje u vatri, radi se o tehnici koja se koristi korištenjem voska kao veziva pigmenata, pri miješanju s ovim materijalom ima više prekrivnih učinaka jer vosak je gušći i kremastiji.
Slika voskom nanosi se lopaticom ili vrućim kistom, a nakon završenog umjetničkog djela potrebno je polirati potezima lanenim krpama na već namazanom sloju voska.
Da u ovom slučaju neće djelovati kao vezivo već da zaštiti umjetničko djelo ova operacija se zove u kaustifikaciji, a ovu tehniku opisuje Marco Vitruvio Polión koji je za života bio arhitekt i slikar koji je živio između 75. godine prije Krista i 25. godine nove ere, koji je prema onome što je došao potvrditi sljedeće:
"Morate nanijeti sloj vrućeg voska na boju, a zatim ga morate polirati suhim lanenim krpama"
akvarel: Riječ je o slici koja se radi na papiru ili kartonu, no jedna od karakteristika akvarelnog slikarstva je da se razrijedi vodom i boje postaju prozirnije ili svjetlije ovisno o količini utrošene vode. Osim toga, prestajete vidjeti pozadinu papira ako je bijela.
Ova vrsta slikanja je sastavljena s aglutiniranim pigmentima i gumiarabikom ili s medom, u ovom postupku slika se koristi u više prozirnih slojeva kako bi se postigla najveća blistavost i lakoća kompozicije koja je napravljena za dizajn slike. .
Da bi koristio ovu tehniku, od umjetnika se traži velika sigurnost u potezima koje izvodi i puno spontanosti pri izvođenju poteza kistom, jer ova tehnika kao glavna karakteristika slikanja ima prozirnost i svježinu boja. koji se koriste.
Tu je i hiperrealističan akvarel koji će biti u suprotnosti s prethodnim postulatom, a lakovi se koriste kako bi se mogli ukloniti prvi slojevi kako bi se dobile uzastopne glazure i time će se u umjetničkom djelu postići vrlo specifičan chiaroscuro, ali s malo prozirnosti. korištene klasične tehnike akvarela.
Tempera: također poznat kao gvaš To je tehnika vrlo slična akvarelu, ali se razlikuje jer nosi teret industrijskog talka koji je namjerno dodan kako bi pigment bio malo neprozirniji i nije proziran u temperi, što ga čini jednom od glavnih karakteristika tempernog slikarstva. i po tome se razlikuje od akvarela.
Na taj način se mogu nanositi razne nijanse od najtamnijih do najsvjetlijih, a ovaj postupak u akvarelu smatra se netočnim, tempera je vrlo izvrstan medij za nanošenje na različite crteže i za izradu suhih ili impasto poteza.
Na isti način kao i akvarel, tempere bi trebale biti aglutinirane gumiarabikom, ali se danas mnoge tempere stavljaju u plastiku jer je lakše dobiti i jeftinije.
Tehnikom tempere francuski slikar François Boucher stvorio je velika remek-djela, a umjetnici XNUMX. stoljeća nove ere, koristeći temperu zajedno s akvarelom, uspjeli su izdvojiti specifična područja unutar umjetničkog djela izrađenog od akvarela. Zato je francuski slikar Paul Signac, koji je bio poznat po izvođenju divizijske tehnike, potvrdio sljedeće:
"Određene ljubičaste ružičaste boje na Turnerovom nebu, određene zelene u akvarelima Johana Jongkinda ne bi se mogle postići bez malo gvaša"
Akril: korištenje akrilne boje kao tehnike, karakteristike boje su vrlo cijenjene od strane suvremenih umjetnika zbog vrlo brzog sušenja, budući da su pigmenti sadržani u polimernoj emulziji koja je uglavnom vinilno ljepilo, iako se mogu lako ukloniti ili razrijediti vodom, nakon sušenja su vrlo otporni na vodu.
Ono što se najviše ističe kod ove tehnike je njena lakoća i brzina sušenja, ali kada se osuši, ton boje se samo malo mijenja, ponekad postaje tamniji ili svjetliji ovisno o boji koja se koristi. Slikarstvo akrilom je relativno novo, ima svoje podrijetlo u XNUMX. stoljeću naše ere.
Tehnika akrila razvila se u Sjedinjenim Državama i Njemačkoj, ali paralelno s tim, američki slikar Jackson Pollock koristio je akrilnu boju, kako dolazi u spremnicima, kako bi postigao nove teksture i učinio ih gušćima. Dok je slikar Morris Louis, također iz te iste zemlje, koristio akrilnu boju, ali ju je razrijedio vodom kako bi slikao velika platna i dao im obojeni efekt umjesto oslikanog.
Pita: Tehnika od velike važnosti u slikarstvu je pastelna tehnika, jer se sastoji od korištenja kolor traka, u kojima se pigmenti nalaze u prahu pomiješanim s gumom ili smolom tako da se mogu aglutinirati i formirati suhu i vrlo kompaktnu pastu.
Zato riječ pastel naglašava riječ paste, jer je pasta i modelirane su u obliku štapića i debljine su otprilike jedan prst i mogu se koristiti direktno na površini na kojoj će se umjetničko djelo dizajnirati. bez potrebe za korištenjem četkica ili lopatica, niti bilo kakvog otapala.
Za rad pastelnom tehnikom kao podloga koristi se vrlo kvalitetan papir dobre gramature, bijele ili neutralne boje koja ne utječe na boju, osim što ima malu hrapavost, iako je pastelna tehnika. vrlo fleksibilan i u isto vrijeme svestran jer se može koristiti na različitim površinama kao što su drvo ili plastika.
Iako boje koje se koriste mogu biti vrlo jake i neprozirne, ima poteškoća a to je prianjanje pigmenta na površinu koja se boji, pa se na kraju za poboljšanje umjetničkog rada nanosi fiksator za crtež pomoću raspršivača ( sprej), koji su posebni za ovu tehniku.
Ali općenito pastelnu tehniku poznajemo kao bojice, njen najkorišteniji resurs je linija na kojoj se može formirati niz okvira, drugi način korištenja je pretvaranje u prah, budući da pastel ima tendenciju oslobađanja puno obojenog praha.
Mnogi umjetnici koriste ovu tehniku korištenja praha u boji kako bi dali kreativnost svom umjetničkom djelu, među njima su i Leonardo da Vinci koji je bio jedan od prvih umjetnika koji je upotrijebio ovu tehniku u crtežu koji je napravio Isabel de Este i drugima. kao što su Hans Holbein mlađi, Correggio, Fragonard ili Degas.
Hram: U tehnici farbanja temperom kao vezivo se koristi otopina koja se pravi od vode i bjelanjaka jajeta i posebnog ulja.Prvo što treba učiniti je pomiješati bjelanjak jajeta s uljem dok ne dobijete homogenu pastu. , nakon toga dodajte vodu dok ne dobijete emulziju ili medij tempera tehnike.
Omjer koji se koristi je udio cijelog jajeta plus isto u ulju, plus tri dijela vode, ali to ovisi o fluidnosti koju slikar želi postići, ima puno umjetnika koji dodaju malo laka da bi mogli zamijenite laneno ulje koje se najviše koristi. Prilikom izvođenja ovog postupka tehnika kaljenja nudi veću čvrstoću i bolje prianjanje te brže sušenje.
No nakon sušenja finiš koji daje je nepropusniji u novim glazurama.Ima i drugih umjetnika koji umjesto vode koriste obrano mlijeko ili lateks ili vosak smokve, ali uvijek povezan s vodom.
Talijanski slikar i arhitekt Giorgio Vasari također je koristio riječ tempera da bi mogao napraviti ulje za lakiranje, ovom tehnikom su napravljena velika remek-djela, primjerice Sandro Botticelli se ističe kada je izradio Rođenje Venere, Kako je DV Thompson objasnio:
“Dobro urađeno slikanje jaja jedan je od najtrajnijih oblika slikanja koje je čovjek izumio. Ispod prljavštine i lakova, mnoga srednjovjekovna djela tempera od jaja svježa su i svijetla kao kad su bila oslikana. Obično su se slike temperama manje promijenile u petsto godina nego uljane slike u trideset.”
tinta: u ovom članku, o karakteristikama slikanja korištenjem tehnike tinte ili također poznate kao kineska tinta, ova tinta je općenito tekuća, iako također dolazi u čvrstoj pločici, ali mora biti mljevena i razrijeđena da bi se koristila, ona je gotovo uvijek se koristi na papiru i najčešće se koriste boje sepija i crna, ali danas postoji nekoliko boja.
Kineska tinta se može nanositi na razne načine, ali jedan od najčešćih je korištenje pera ili olovke, koji su praktičniji za crtanje ili neku kaligrafiju, za olovku se koriste različiti vrhovi i napunjeni su tintom. praviti linije i s njima moći pisati ili crtati, ali ne i slikati.
Drugi način ili resurs za korištenje kineske tinte je kist, ali će se koristiti kao akvarel i zove se gvaš, što znači da se kineska tinta pomiješa s vodom i alkoholom i bojom koja se koristi. Ova tehnika je slična drevnoj tehnici korištenoj u Japanu gdje su izrađivali svoju japansku kaligrafiju, koja se također temeljila na tinti i papiru.
Drugi način korištenja je korištenje olovke za crtanje, koja je punjač tinte ili tzv. rapidografa, ali je ova tehnika, zajedno s grafitom, više za crtanje nego za slikanje.
cool: tehnika je slikarska tehnika koja je moderna, budući da se temelji na kemijskoj izmjeni pigmenata mljevene zemlje koji se pomiješaju s čistom vodom, može se nanositi na malter koji ima vapno i pijesak unutra, dok je vapno u u obliku kalcijevog hidroksida. Budući da se ugljični dioksid nalazi u atmosferi, vapno će se pretvoriti u kalcijev karbonat.
Na taj način pigment će kristalizirati unutar stijenke. Tehnike oslikavanja freskom vrlo su jednostavne, ali je vrlo naporno, a priprema smjese traje dugo. Ova tehnika ima karakteristiku slikanja da je vrlo postojana tijekom vremena.
Ali ima tendenciju da se ošteti zbog fizikalnih, kemijskih ili bakterioloških uzroka, jedan od glavnih uzroka bit će vlaga koja će kao glavnu štetu imati promjenu boja zbog otapanja kalcijevog karbonata i rad nastoji razviti ono što zovu plijesan .
Slikanje u sivom: još jedna od tehnika korištenih u slikarstvu, ali se temelji na monokromatskom slikarstvu u onome što nazivaju chiaroscuro ili svjetlo i sjena, kako je izjavio slikar Giorgio Vasari talijanskog podrijetla, boja je napravljena mješavinom željeznih oksida i sa dodano je malo bakra i fluksa, što stvara osjećaj skulpturalnog reljefa u umjetničkim djelima.
U četrnaestom stoljeću poslije Krista ova tehnika je korištena za pripremne skice koje kipari koriste za postizanje ovog reljefnog efekta izradom raznih gravura iste boje. U vrijeme vladavine Karla V. od Francuske, tehnika grisaillea koristila se u vitražima i minijaturnom slikarstvu.
Njegova uporaba bit će jedna od glavnih karakteristika flamanskog slikarstva budući da je na stražnjoj strani konjušnice prikazan Najava tehnikom grisaille. Španjolski slikar Josep Maria Sert primijenio je ovu tehniku, ali umjesto njezine monokromatske evolucije.
Koristio ga je naslanjajući se na zlatni monokrom budući da je ovaj slikar koristio široku paletu kromatskih boja gdje je koristio metale poput zlata, srebra, bakra, pržene zemlje, s primjesama karmina, koristeći kao pozadinu bogat preparat metala, srebro i kruh.od zlata.
pointilizam: To je jedna od tehnika koja je nastala u neoimpresionizmu jer ju je proučavao i prakticirao slikar Georges Seurat, ali tehnika se sastoji od postavljanja malih sfernih točkica čistih boja, umjesto izvođenja tehnike poteza kistom na željenoj površini.
Kako postoje fizički odnosi između različitih boja, postoji interakcija između primarnih i komplementarnih boja, čime se postiže sjajna mješavina boja za promatrača.
Ovu mješavinu promatrač vidi na određenoj udaljenosti od slike i sposobna je proizvesti veliki učinak na promatrača kada se različite točke spoje.
kapanje: To je tehnika izrade automatskog slikanja, za nadrealiste se ova tehnika može postići izradom ležerne slike, radi se kapljicama i prskanjem raznih boja, to je tehnika koja se naziva i američko akcijsko slikarstvo (action painting ).
Tehnika se izvodi kada umjetnik hoda po površini koju treba slikati velikim kistovima ili istom posudom za bojenje. I on ispušta boju koja kaplje koju figura stvara, to se radi emajlom koji je mrlja koja ostaje na nosaču koji umjetnik koristi.
Grafiti: Ova tehnika se koristi kod boja koje su pakirane i koje su vrlo istaknute u karakteristikama boje. Zato ga zovu aerosoli i koristi se kada umjetnik pritisne tipku na gornjem dijelu kroz koju boja izbija u obliku spreja, ovom tehnikom moguće je slikati na velikim površinama.
Obično ovu tehniku koriste ljudi koji slikaju zidove i ulice, ova vrsta slikanja se naziva grafiti. Krajem 70-ih urbani umjetnici počeli su crtati svoje grafite na svim zidovima koje su mogli dobiti i s tim iskustvom stvarali prava umjetnička djela.
Za ove umjetnike trenutno se proizvode aerosolne boje, a neki već imaju svoje šablone kako bi svojim umjetničkim djelom mogli razgraničiti površinu koju žele obilježiti, naravno, na tržištu se već mogu naći šabloni različitih modela i slova s kojima će manje iskusni umjetnici moći vježbati.
Mješovite tehnike: U realizaciji umjetničkih djela neki umjetnici koriste različite karakteristike slike unutar istog djela kako bi privukli pozornost promatrača. Na primjer, neki umjetnici koriste ono što se zove kolaž, što će biti umjetnička tehnika koja nije slikovna jer nije slikana, ali postaje mješovita tehnika kada umjetnik koristi neku tehniku kao što je akvarel, tempera ili tuš.
No, na kraju umjetnik mora odlučiti o razlici između slikovnog postupka i slikovne tehnike, jer se podrazumijeva da je slikovni postupak spajanje više elemenata u istom djelu. Dok će način na koji ga umjetnik primjenjuje činiti slikovnu tehniku.
Materijali korišteni u slikama
Da biste se mogli posvetiti slikarstvu, postoji beskonačnost materijala koje umjetnici koriste kroz pisane dokumente i bilješke upućene različitim umjetnicima, a drugi izvor je provođenje tehničkog i znanstvenog ispitivanja umjetničkog djela. Neki od ovih ispita imaju za cilj pojačati dokumentaciju o radovima kako bi se potvrdilo jesu li originalni ili ne.
Kako je bitno da su materijali koje umjetnik trenutno koristi različiti, u XXI stoljeću ćemo vam napraviti sjajan popis materijala koji se mogu koristiti za izradu umjetničkog djela. Među kojima imamo:
Podržava: Ovaj materijal ima funkciju podržavanja pozadine i različitih slojeva boje koje slikar koristi, ali treba imati na umu da u karakteristikama slike postoje vrlo različiti modeli za odabir, a najčešće se koriste oni od papira, karton, drvo, platno i zidine grada. Ali među mnogo više možete dodati i metal, staklo, plastiku i kožu.
Ali za sve podloge trebat će poseban temeljni premaz koji treba pripremiti površinu kako bi slikar mogao izraditi svoje umjetničko djelo i svi imaju drugačiji postupak za materijal koji će se koristiti.
Drvena daska: Jedan je od najčešće korištenih nosača od početka slikarstva, kada je bilo u egipatsko doba, umjetnici su već koristili drvene daske kao sarkofage, a u srednjem vijeku oltarne su se pale koristile za izradu oltara i njihovo je temeljno premazivanje bilo vrlo jednostavno. stavite samo jedan sloj ljepila na njega.
A ako je drvo trebalo pozlatiti, upotrijebite temeljni premaz sa zlatnim listićima koji je karakterističan za boju, ali prije stavljanja zlatnog lista na njega, trebalo je napraviti još jedan temeljni premaz sa slojem ljepila i još jednim slojem žbuke ili gline kako bi se daju jači dodir drvenoj ploči.
U XNUMX. stoljeću nove ere europski štafelaj počeo se koristiti kao glavni oslonac, budući da je puno drvo koje se koristilo u prošlosti prekriveno trakama lanene tkanine zalijepljene tako da se ne vidi da su zajedno. Drvo je moralo biti u dobrom stanju i izbjegavati moguće pukotine koje bi mogle imati.
Zatim se počeo koristiti u šperploči i iverici kao drvena ploča. Drvene daske počele su se prefabrikovati i dale su sjajne karakteristike bojanja, mogle su biti glatke i spojevi se nisu vidjeli, kao ni daska tzv. Tablex, da je bila vrlo lagana i laka za rukovanje, osim toga umjetnik ju je uvijek mogao nositi sa sobom i imala je dvije strane, glatku i hrapavu, a daske su vrlo važne u karakteristikama slike.
platno: Prema piscu i vojniku Pliniju Starijem, rimskom caru Neronu rečeno je da je dao naslikati njegov portret na platnu veličine 36,5 metara dužine i 12 metara širine, filozofa Heraklita u svom rukopisu pod naslovom From Coloribus et Artibus Romanorum iz XNUMX. st. prije Krista, opisao je kako treba pripremiti laneno platno da bi ga ukrasili i obojili.
Napisao je i točan način rastezanja te kako pripremiti tkaninu ljepilom da bi bila izvrsna kao pergament. Boja koja se stavljala na platno počela se koristiti u sjevernoj Europi, a kasnije i u Italiji zbog svoje velike lakoće i višestrukih načina korištenja.
U XNUMX. stoljeću poslije Krista počinje se vrlo često koristiti u backstageu, a početkom XNUMX. stoljeća nakon Krista počinje se proizvoditi u serijama. Najviše su se koristila platna od biljnih vlakana poput konoplje, lana, fino tkane jute ili pamuka, što je također jedna od karakteristika slikarstva.
Sva su ta platna rađena s krupnim ili finim zrnima, ovisno o rezultatu koji je umjetnik želio postići u radu koji je želio raditi, postoji i dokumentacija da su koristili poliestersko platno.
Trenutno se sva platna mogu kupiti u broju metara koji umjetnik želi i montirati na okvir koji želi, budući da na tržištu postoje različiti modeli, tipovi i formati. No, naravno, postoji međunarodna numeracija za mjere širine i duljine okvira, ovisno o karakteristikama slike koja će biti naslikana na platnu.
Trenutno su napravljena tri različita formata za svaki koji ima karakteristike slike koju umjetnik želi izvesti, kao što su lik, pejzaž i marina. S jedne strane uvijek ima istu veličinu, a s druge će se smanjiti, ostajući na sljedeći način:
- Onaj na slici će imati 100 x 81 cm
- Dimenzije pejzaža su 100 cm x 73 cm.
- Mornarski će imati sljedeće mjere: 100 cm x 64 cm.
To su sporazumi koji su postignuti na međunarodnoj razini, ali poznavajući umjetnike, njima se ne upravljaju tim mjerama i oni svoja umjetnička djela izvode mjerama za koje smatraju da bi njihov rad trebao biti, na većini platna koja se nalaze na tržištu za prodaju ih pripremaju s lanenim uljem i punilom pora.
No postoje i one koje se pripremaju na bazi emulzija koje su najprikladnije za korištenje s uljanom bojom, ili s akrilnom bojom, na taj se način pojednostavljuje temeljni premaz platna za različite karakteristike boje koja će se koristiti umjetnika i tako dobiti očekivani rezultat s najboljom kvalitetom.
Bakar: Jedan od najvažnijih materijala u korištenju obilježja slikarstva je bakar, budući da se koristi od petnaestog stoljeća nove ere, a koristili su ga u vrlo tankim limovima slikari koji su bili sjeverno od europskog kontinenta. Umjetnik njemačkog porijekla Adam Elsheimer. Morao sam ih koristiti, ali u maloj veličini i to je navelo istraživače na pomisao da su ih stare gravure koristile na način da ih recikliraju.
Staklo: drugi medij koji su različiti umjetnici naširoko koristili za slikanje bilo je staklo, a izrađivali su se i bezbrojni predmeti kao što su staklenke, čaše, posude, kvadrati, trokuti među mnogim drugim gdje je umjetnik izradio svoj emajl i nakon što ih je dekorirao hladnim, uveden je u toplinska peć s temperaturom nižom od tališta stakla izrađujući velika i lijepa umjetnička djela.
U sedamnaestom stoljeću nove ere počeli su se koristiti kao nosači za vitraje, budući da je vrlo važan oslonac za karakteristike slikarstva u različitim crkvama i velikim katedralama, tu su se počeli postavljati veliki kristali u boji i slika na staklu s religioznim slikama i brojnim prizorima preuzetim iz biblije.
Korištenjem tehnike grisaille, jedne od karakteristika slikarstva, postignuto je da je s jedne strane jednobojna, a s druge ukrašena nekim vjerskim umjetničkim djelom s naglaskom na sveca ili scenu iz Biblije. Izrađena su i mnoga lica svetaca.
Papir: Prema podacima kojima raspolažu istraživači i pronađenim nalazima, papir koji je korišten za izradu umjetničkih djela došao je iz Kine, oko 200. godine prije Krista, a izumitelj ovog materijala je Kinez pod nazivom Cai Lun između godine 50 a, C. i 121 d, C.
Koji je služio kao carski eunuh, jer je poboljšao formulu papira i učinio je boljom alternativom od papirusa i pergamenta. Da su u to vrijeme bile najkorištenija alternativa za pisanje i izradu karakterističnih slikarskih djela.
Budući da je ovaj lik dodao škrob koji je imao osobitost zaštite biljnih vlakana, papir je bio materijal koji umjetnici vrlo dobro koriste jer se koristi u mnogim slikarskim tehnikama, a najčešće su bile akvarel, tempera, pastel, kineska tinta i njegove različite boje. ali najviše se koristi crna i sepija.
Što se papira tiče, velika je raznolikost tekstura, težina i boja, što je jedna od najvažnijih karakteristika slikarstva, a za odabir vrste papira potrebno je da umjetnik ima predstavu o tome što želi. za napraviti među vrstama papira. pronađite:
- Papir za vrući tisak: ima tvrdu, glatku površinu, mnogi umjetnici smatraju da je previše sklizak za slikanje akvarelom.
- Hladno prešani papir: teksturiran je, poluhrapav, pogodan za široka i glatka pranja.
- Grubi papir: sa zrnastom površinom, kada se nanese ispiranje, postiže se išaran efekt iz šupljina u papiru.
Također svaki umjetnik mora uzeti u obzir težinu papira da bi ga mogao odabrati, budući da se vrlo težak papir ne može tako lako valoviti i mora se rastegnuti, a za primjenu tehnike akvarela gramatura papira mora biti između 120 grama na kvadrat i s dražbom od 850 grama na kvadrat.
Četke: Oni su vrlo bitni alati ili instrumenti za umjetnika, a vrlo su važni i u obilježjima slikarstva, jer ih slikar na različite načine koristi u svom radu kako bi izveo umjetnički rad.
Kistovi, kao vrlo koristan alat za umjetnike, dizajnirani su u različitim veličinama, širinama i kvaliteti koja je potrebna, budući da materijali od kojih su kistovi izrađeni mogu biti organski ili sintetički.
Četka je strukturirana u tri dijela a to su dlaka, ferrula ili viola i mađioničar da bi je mogao držati, više se razlikuju po dlaki i načinu izrade, neke se nazivaju ravnim ili mačjim jezikom. . Četke se također obično rade s tvrdom kosom, a one okrugle gotovo uvijek idu uz ravnu kosu.
Kistove biraju različiti umjetnici prema poslu koji namjeravaju raditi i načinu na koji će koristiti boju koju imaju. Ako će umjetnik koristiti velike površine za izvođenje rada, koristit će kistove umjesto kistova.
U kistovima gotovo uvijek imaju praznu unutrašnjost da bi mogli skupiti više boje u trenutku izvođenja poteza, manji kistovi nemaju tu središnju prazninu, postoje i kistovi koji imaju vlakna i postoje kistovi koji ih također imaju a oni su obično prirodni organskog podrijetla i potječu od raznih životinja kao što su konji, kune i svinje između mnogih drugih.
Značajke boje zareza također su izrađene od umjetnih griva sintetičkog materijala. Njega četkica je vrlo važna kako bi im se mogao produžiti vijek trajanja, potrebno ih je očistiti nakon korištenja uz kontinuirano čišćenje, čišćenje je izuzetno jednostavno jer na njih morate staviti samo sapun i vodu.
Nakon pranja mogu se osušiti vlagom ili flanelom, zatim ih treba čuvati u vodoravnom položaju bez pritiskanja na mjestu gdje je kosa da se ne bi deformirala. Druga upotreba koja se daje kistovima je kao sredstvo za ispis slika pomoću valjka koje su izrađene od različitih veličina i materijala.
Među materijalima su vuna, pjenasta ili vlaknasta guma, prirodne ili umjetne spužve i ne manje važno palete, noževi i lopatice kao još jedna opcija u karakteristikama slikanja budući da se radi o alatima izrađenim od iznimno laganog i fleksibilnog lima ili plastiku koja se može koristiti na različite načine i bojama spojiti i oslikati najiskusniji umjetnici.
Novac: U različitim nosačima koji postoje, umjetnici se navikavaju mijenjati pozadinu prije početka umjetničkog djela, to je kvaliteta koja ima karakteristike slikarstva. Provodi se temeljna obrada budući da je pozadina površina koju umjetnik oslikava bojom i teksturom kojom želi započeti svoje umjetničko djelo.
Prije su se pozadine izrađivale organskim uljem ili ljepilom, a zatim se miješala s bijelim ili u boji koji se sviđao umjetniku koji će raditi. Iako su to ljepljivo sredstvo bili repovi različitih životinja i riba.
Koriste se i emulzije na bazi jajeta, ulja ili smole, a za davanje boje prethodno su korišteni vapno i plovućac, te oker zemlja. Ovisi o materijalu koji je korišten, to je definiralo kako će izgledati vizualni efekt umjetničkog djela. Također boja pozadine koja je korištena kao potpora dala mu je drugačiju nijansu.
Iz tog razloga, umjetnici su tražili bijelu pozadinu koja bi odražavala različite slojeve boje koje su koristili, ali ako je boja pozadine bila tamna, ona je smanjivala nijansu boje, čineći je tamnijom.
Arhitekt Giorgio Vasari, rođen u Italiji, čak je izjavio da su uljne pozadine imale prednost u očuvanju fleksibilnosti platna, koja su bila izrađena u velikim dimenzijama i mogla se smotati i premjestiti na različita mjesta.
Ali nedostatak koji su imali je to što je potrebno duže vrijeme sušenja. Između XNUMX. i XNUMX. stoljeća najviše su korištene pozadine koje su bile obojane crvenkastom zemljom, pri čemu su neki prostori mogli ostati neobojeni, ali je rad dobio potpunu ujednačenost. Trenutno se sredstva koja se pripremaju u trgovačkim poduzećima izrađuju industrijski s bijelim olovom i upijačem.
Pigmenti: Pigmenti koji su vrlo temeljna karakteristika slikarstva imaju tendenciju da se dijele na anorganske, a to zauzvrat potječe od minerala, zemlje, soli i oksida i s njima se postižu boje okera i sijene. Koriste se i organski pigmenti dobiveni iz biljaka i nekih životinja koji se dobivaju kuhanjem nekog sjemena ili kalcinacijom nekih dijelova životinja.
Postoje i drugi koji se dobivaju sintetičkim putem, kao što su anilini i također organski spojevi. Organski pigmenti su općenito manje nesigurni od anorganskih. Pigment koji se koristi zajedno s vezivom tvori ono što nazivamo bojom, a vezivo je ono što omogućuje da pigment bude fluidan i na taj način postiže prianjanje površine boje na podlogu.
Iako ponekad može postati vodenasta, a može biti i masna, sve ovisi o načinu pripreme, otapalo je važan čimbenik u karakteristikama boje budući da ima zadatak razrijediti ili otopiti vrstu veziva koja se koristi za izradu predstavu.
Koristi se i tekućina otapala koja se zove terpentin, to je vrlo hlapljivo i bezbojno otapalo koje se miješa i razrjeđuje s uljem i sa smolom se nastoji otopiti, na isti način kao i s vodom jer se također otapa, u istom način se koristi s gumom koja se također otapa i na taj način može dodatno razrijediti karakteristike boje.
Morate biti svjesni indeksa neprozirnosti boje koju ćete koristiti, jer tijekom godina možete bolje uhvatiti pozadinu slike i umjetnikovo žaljenje tijekom izvođenja umjetničkog djela.
Na slikama koje su nastale prije XNUMX. stoljeća čestice upotrijebljenih pigmenata mogu se promatrati pod mikroskopom, a to je dovelo do zaključka da što je zrno pigmenta krupnije, to je boja niža.
U devetnaestom stoljeću znanstvenici su počeli sintetizirati bojila koja su se koristila kao pigmenti, među kojima su bili kobalt plava, cink žuta i krom oksid kao najčešće korišteni od strane umjetnika. I danas broj pigmenata vrlo brzo raste, postoji velika raznolikost boja i svi pigmenti su izvrsne kvalitete.
Ako vam je ovaj članak o karakteristikama boje važan, pozivam vas da posjetite sljedeće poveznice: